Consejos para un examen de Historia del Arte

¡Hola, hola! Ante todo, sentimos no haber publicado casi nada en este mes de marzo, pero tuvimos que continuar nuestra parte del intercambio con Japón, acogiendo a alumnos japoneses.

Hoy por hoy, os traigo otra entrada. Esta vez, será más breve. Os presento...

¡LOS CINCO CONSEJOS PARA EL EXAMEN!

• Lee bien las opciones. Generalmente en cada examen (al menos de EvAU) hay dos opciones a elegir para realizar el examen: A y B. Una vez elijas tu opción no hay vuelta atrás. Escoge la opción con la que te sientas más segur@.
• Comienza con las preguntas de desarrollo. Solo tienes 90 minutos para hacer tooooodo el examen y las preguntas de desarrollo, como las de un arte entero o artistas, suelen ser las que más tiempo ocupan. Las definiciones no te llevarán tantos minutos.
• Organiza tus folios. Además de organizar tu tiempo, también tienes que preparar tu discurso. Solo contarás con dos folios para rellenar por las dos caras (y no, no puedes escribir en la hoja del examen). Así que no te pases en el desarrollo y te quedes sin espacio para las definiciones.
• Cuida tu caligrafía. Tu corrector tiene 200 exámenes para corregir en un fin de semana. Por supuesto que estará cansado. Dale algo que le llame la atención y que sea fácil de entender. Tu letra es tu carta de presentación: Escribe de manera que se pueda entender, deja márgenes y no emborrones el papel.
• Revisa. Lo sé, te lo han dicho un millón de veces, pero VUELVE A LEER LO QUE HAS ESCRITO. Y no solo lo que has escrito (no vaya a ser que tengas una falta de ortografía y te quiten puntos), revisa también los enunciados (no queremos un disgusto al descubrir que tenías que hablar de la escultura manierista y no de la romana).

Sé que son consejos muy típicos, pero son los más eficaces. ¡Mucha suerte!

Vicky.

Ejemplo de comentario de arquitectura

Ahora que vamos a empezar a sumergirnos en el arte medieval, creo que no hay mejor manera que con el primer ejemplo de comentario de una arquitectura. Se tratará de San Pedro de la Nave, obra visigoda. Aunque algunos parámetros de la EVAU han cambiado, el formato del comentario se mantiene igual, así que creo que os podría ayudar. Dicho esto, comencemos.

Lo primero que tenemos que hacer es presentar la obra con las características más principales: ¿Es una arquitectura, una pintura o una escultura? ¿Dónde se encuentra¿ ¿A qué arte pertenece? Además, debemos incluir su cronología y algún otro dato que pueda servirnos de ayuda.

San Pedro de la Nave es el nombre de esta iglesia visigoda situada en El Campillo, Zamora. Pertenece, por lo tanto, al arte visigodo, perteneciente al arte prerromano. Data de finales del siglo XVII, así que deducimos que fue una de las últimas construcciones de esta civilización antes de la conquista musulmana. Esta construcción está declarada Bien de Interés Cultural y Patrimonio histórico de España.

Ahora nos centraremos en la obra y en su análisis, algo que ya hemos practicado en ejemplos anteriores. Si además puedes ir comentando algunas características de su arte (el visigodo en este caso), mejor:

Comenzaré analizando la arquitectura. La función de la iglesia es, obviamente, religiosa. Pero además, puede tener función didáctica, ya que la iglesia era el lugar del conocimiento donde todo se atrevía a través de las palabras del clero; y defensiva o de refugio en caso de asedio. Está construida en piedra, material característico del arte visigodo. Los sillares, puestos a bisel por influencia celtibérica, tienen una superficie muy lisa y suelen estar unidos con grapas de madera. Se sostiene sobre muros y arcos de herradura. Estos arcos, que se distinguen del cordobés por prolongar el radio del arco un tercio y desviar la línea del trasdós, se verán a menudo en el arte musulmán, pero algo más exagerados. Además, cuenta con una bóveda de cañón con arcos fajones. Cuenta con tres ábsides, con todo el edificio orientado al este, por el sol. El crucero crea una planta en forma de cruz latina, con un cimborrio cuadrado en el exterior. Por otro lado, en lo que respecta a la decoración, los paramentos tienen motivos vegetales o animales, e incluso algunos grabados en los pilares con motivos religiosos. No cuenta con mucha iluminación, solo tiene una entrada y algunos delgados vanos abocinados.

 Ahora diremos todas las características del arte al que pertenece, incluyendo las que no puedan verse en la arquitectura: 

Como ya he dicho, pertenece al arte visigodo que, junto al mozárabe y al asturiano, forma parte del arte prerromano. Este abarca desde el siglo V al X, antes de la venida del arte románico. En lo que respecta a las características del arte visigodo, cuenta con diferentes influencias que lo marcaron: Influencia celtibérica, en la talla a bisel de los sillares; influencia bizantina, en los motivos iconográficos de los relieves; e influencia del norte de África, en las basílicas de contraábside que se pueden encontrar en algunos edificios visigodos. Destaca su arquitectura, cuyas características se ven impresas en San Pedro de la Nave, puesto que sus relieves son geométricos, sin profundidad, con figuras rígidas y sin expresión. Podemos definir la arquitectura visigoda como oscura, por su poca iluminación y su pequeño tamaño; cerrada, por la falta de puertas o ventanas; e intimista. Además, cuentan con orfebrería que puede aparecer en las iglesias: Las coronas votivas, hechas en bronce, solían colgar de los techos de las iglesias como decoración. También hicieron hebillas de cinturón o alfileres imperdibles, que solo los visigodos podían llevar y los diferenciaban del resto de población.

 Por último, hablaremos del impacto e influencias de esta obra y del arte en general, para concluir, aunque también podemos incluir algo de contexto histórico:

El pueblo visigodo, personas de lo que serían actualmente Dinamarca y Suecia, llegaron a Hispania en el 507. Siendo solo 20.000 visigodos contra casi seis millones de celtibéricos, cabe destacar la importancia de su organización militar, al unísono con la eclesiástica. Se adaptaron a la organización romana que se había mantenido en la península, por lo que los habitantes solo pasaron del mandato romano al visigodo casi sin diferencia para ellos. Por otro lado, la economía fue en decadencia debido, en parte, al mal uso de sus gobernantes o a las continuas guerras por gobernar, ya que existía la monarquía electiva, que luego fue hereditaria. Como otro dato característico, el catolicismo pasó a ser la religión oficial en el año 589, legitimando así el poder divino en el rey. El arte visigodo influyó a su vez al arte asturiano, con el que comparte características como la bóveda de cañón con arcos fajones; y al arte islámico, como los arcos de herradura o los motivos vegetales en la decoración.

¡Y ya estaría! Espero que os sirva de ayuda para hacer cualquier comentario de arte.

 Nos vemos en la próxima entrada.

Vicky

Otros tipos de esculturas

Otros tipos de esculturas fueron:

• Relieves arquitectónicos

En la tradición de los altares monumentales, columnas conmemorativas y arcos triunfales, los relieves decorativos empleados en estas arquitecturas fueron un campo fértil para el desarrollo de un estilo narrativo típico de los romanos. Ejemplos clásicos precursores fueron, el Altar Ahenobarbus y el Ara Pacis.
Del reinado de Trajano es la famosa Columna de Trajano, que conmemoraba la campaña en Dacia entre 101 y 106. Es una gran columna completamente cubierta por un friso continuo que forma una espiral hacia la parte superior, es u ejemplo perfecto continuo que forma una espiral hasta la parte superior, es un ejemplo perfecto del estilo narrativo de los relieves históricos romanos.Los episodios se funden unos en otros sin interrupciones, excepto de vez en cuando con un árbol de separación. Trajano aparece varias veces en diferentes situaciones. En total son casi 2.500 figuras talladas, y el nivel técnico se mantiene en todo el conjunto.
Una característica innovadora es el abandono de la perspectiva y el uso de figuras desproporcionadas con su paisaje circundante, lo que delata la influencia oriental que penetró por aquel momento.
Hoy sólo vemos las formas de mármol, pero su efecto cuando fue completada debió de ser sorprendente ya que de acuerdo con la práctica de aquel tiempo, todas las escenas fueron pintadas y adornadas con detalles de metal. Es posible que su autor fuera Apolodoro de Damasco.

Columna de Trajano

Ara Pacis

• Camafeos

En estos géneros menores, los camafeos son los más lujosos, limitados a las clases altas y eran usados generalmente como joyas.
Tallados en piedra semipreciosa como la ágata, calcedonia, jaspe, amatista y ónix, están considerados esculturas en miniatura.Esta forma de talla fue introducida en Roma por los griegos helenistas, que fueron los primeros en conseguir un alto grado de refinamiento en este género.
Su pequeño tamaño no nos debe inducir a error en cuanto a la pericia requerida para este tipo de trabajo, que requiere una intensa concentración y enorme sensibilidad para trabajar la veta de la piedra y sus diferentes capas para obtener sutiles matices de color y efectos de luz y transparencia.
Esta forma de talla fue introducida en Roma por los griegos helenistas, que fueron los primeros en conseguir un alto grado de refinamiento en este género. Su pequeño tamaño no nos debe inducir a error en cuanto a la pericia requerida para este tipo de trabajo, que requiere una intensa concentración y enorme sensibilidad para trabajar la veta de la piedra y sus diferentes capas para obtener sutiles matices de color y efectos de luz y transparencia.

 

• Estatuillas de culto privado

El hábito de antropomorfismo de los dioses fue heredado de los etruscos y los griegos, prácticamente todas las fuerzas naturales y poderes abstractos tomaron para los romanos un aspecto humano y recibieron culto, aunque su religión no fuese rígidamente organizada el culto privado tuvo un importante papel. Los museos están llenos de estatuillas de culto doméstico, lo que demuestra su amplia distribución por todo el imperio.
Su calidad artística es muy variable, y se cree que la consumida por la gente común son poco atractivos, pero hay ejemplos de gran refinamiento. En este campo no era el valor estético lo que tenía valor, sino su eficacia para los romanos como puente de comunicación entre los mortales y lo sobrenatural.

• Objetos decorados

Los jarrones, vajillas, lucernas, tiradores de puertas y muchos otros tipos de objetos utilitarios con decoración que se aproxima a la escultura propiamente dicha, una categoría muy variada de piezas que da fe de la amplia aplicación de la escultura en la antigua Roma.
Las lucernas y braseros estaban decorados con imágenes en relieve mostrando escenas religiosas, mitológicas y eróticas, de acuerdo con la ubicación para la que estaban destinados, y podían tener uno o más pies muy ornamentados. Platos, ollas, cuencos y vasos también podían representar relieves, o los cuellos de formas extravagantes.
En la cerámica destaca el tipo de la terra sigillata, una especie de vasija decorada con incisiones y relieves, que fue ampliamente difundida, y las antefijas decorativas instaladas en los bordes de los techos, que podían estar realizadas en formas abstractas o figurativas.

¡Tenemos noticias!

Por fin nuestro gobierno y las universidades se han puesto de acuerdo en algo: ¡Por fin sabemos cómo va a ser (más o menos) la "reválida"!

Aunque, técnicamente, deberíamos dejar de llamarla "reválida" y empezar a llamarla por su nuevo nombre (parece que les gustan los bautizos): Examen del Bachillerato para el Acceso a la Universidad. Para los amigos, la llamaremos la EBAU.
Como pocas noticias, sabemos que los exámenes de acceso tendrán que realizarse antes de 16 de junio y que las universidades (al menos las de Madrid) ya se han reunido para concretar la prueba.
En lo que respecta a Historia del Arte, una de las materias que más temario tiene (por no decir la que más), sigue entrando muchísimo contenido, pero conocemos los porcentajes de las etapas que van a entrar en la prueba:

• 20% Edad Antigua
• 15% Edad Media
• 20% Renacimiento
• 10%  Barroco
• 15% Modernista
• 20% Vanguardias

Como en años anteriores, la prueba consistirá de cuatro apartados: Tema a desarrollar, comentario con imagen en lámina, seis conceptos (a elegir cuatro) para definir y citar obras (con su localización).

Ahora mismo, solo nos queda desearos (y desearnos) unos felices Juegos del Hambre *insertar silbido*

 

 

 

Vicky

Aquí tenéis un ejemplo del año pasado en Madrid

Preescultura romana

La escultura de Roma se desarrolló en toda la zona del este del país influencia romana, con su foco central en la metrópolis, entre los siglos VI a. C. y V.

En origen derivó de la escultura griega, principalmente a través de la herencia de la escultura etrusca, y luego directamente, por contacto con las colonias de la Magna Grecia y la propia Grecia, durante el periodo helenístico.










Gran parte de la escultura producida en Roma pertenece a la temática religiosa o está relacionada de alguna manera. Incluso los retratos a menudo tenían asociaciones con lo sagrado.

algunos de los semi-legendarios reyes de Roma fueron etruscos. Su arte, que ya estaba en gran medida interpretado del periodo griego arcaico, se convirtió en el arte de los romanos.

Las primeras esculturas realizadas en Roma de las que hay noticia datan del siglo VI a. C. y su estilo es totalmente etrusco. El famoso Apolo de Veyes, nos da una buena información sobre las tendencias estéticas vigentes en ese momento.

Los etruscos eran expertos en diferentes tipos de esculturas, desde la estatuaria fúnebre y sarcófagos hasta los grupos monumentales, y en muchos aspectos se anticiparon a la estética de lo prosaico que los romanos desarrollarían más tarde.
Fueron maestros en escenas de género, que representaban la vida común, personajes del pueblo en actividades características, y también en el retrato se mostraron artífices de primer orden.

En el siglo IV a. C. Roma inició su expansión hacia el sur, obtuvo la independencia de los etruscos después de casi un siglo de luchas por la supremacía regional, entrando en contacto más íntimo con el arte griego a través de las colonias de la Magna Grecia.

Un poco más tarde, Alejandro Magno, conquistó Grecia y llevó su arte hasta la India pasando por Persia y llegando a Egipto. El impacto de esta expansión tuvo dos significados, uno sobre los pueblos conquistados, definiendo nuevas orientaciones para su cultura y arte, y otro inverso, sobre la propia cultura griega que asimiló una variedad de elementos orientales.

Tipos de escultura

Los romanos desarrollaron una serie de tipos específicos de esculturas. Estas fueron:

• Retrato

En el retrato es donde Roma da su contribución más característica de la tradición fundada por los griegos, una contribución que ha madurado mucho antes que en otros tipos de esculturas y que hicieron que el desarrollo de la escultura en Roma se dividiera en dos campos.

Desde la época de la República el retrato fue muy bien valorado y con el tiempo osciló cíclicamente entre una tendencia clasicista idealizante y otra de gran realismo.

Y entre los retratos, el busto y la cabeza eran las formas más frecuentes. Retratos de cuerpo entero fueron menos comunes, aunque no raros.

• Estatuas 

En el caso de la estatuaria cuando presentaban los retratos del emperador en estado deificado, especialmente en períodos en que la descripción realista estaba en vigor con más fuerza, se observa de inmediato una incongruencia entre la forma de representación del cuerpo y la cabeza.
Mientras que la cabeza se mostraba a menudo con todos los signos del envejecimiento, los cuerpos estaban representados de acuerdo con los antiguos cánones de la escultura clásica griega, idealizados con una eterna juventud y fuerza.

• Sarcófagos

El uso de los sarcófagos era común entre etruscos y griegos, pero en Roma se usó extensivamente sólo desde el siglo II, cuando la costumbre de la cremación de los muertos fue sustituida por el entierro, y se extendió por todo el imperio.

Su producción se estableció en tres centros principales —Roma, Ática y Asia— y se dividió en algunos modelos diferentes.
Uno, el más común, era una caja decorada con relieves figurativos y con una cubierta más o menos lisa, otro tipo mostraba otra cubierta también decorada, que podrían incluir los retratos escultóricos del cuerpo completo de los fallecidos, como si estuvieran sentados en un banquete, era un modelo que derivaba del arte etrusco.
Ambos dieron lugar a los ejemplares decorados con relieves de extraordinaria sofisticación y complejidad.
Un tercer tipo, confinado en Roma, tenía una decoración abstracta o floral y cabezas de animales, principalmente leones, en los extremo

Seguimos con los tipos de escultura en la siguiente entrada del blog. 

Escultura romana

Un cambio en la tendencia puramente griega y en la formación de una escuela nacional de escultura en Roma se produjo entre finales del siglo II a. C. o inicios del siglo I a. C. Un buen ejemplo es el Altar de Ahenobarbus, considerado un precursor inmediato del gran arte imperial de Augusto.

Con Augusto, Roma se convirtió en la ciudad más influyente del imperio, y también el nuevo centro de cultura helenística, como lo habían sido antes Pérgamo y Alejandría, atrayendo a un gran número de artesanos griegos.
Así como los sucesores de Alejandro habían contribuido a la supervivencia del arte griego, enriqueciéndola con nuevos temas, ahora, en la era Augusta, Roma quiso dar su propia contribución a la continuidad y la renovación de una tradición que ya había conseguido prestigio durante siglos y había dictado el carácter de todo el arte producido allí.
Pero más que la sólo transferencia de la atención cultural a Roma, que dio lugar a un cambio en lo que era hasta entonces puramente griego y el surgimiento de una escuela romana, fue la formación de la idea de imperio y la aplicación de la técnica griega para la temática típica de esta nueva Roma.

En la consolidación del imperio fue de gran importancia la acuñación de monedas, que son en realidad bajo relieves en miniatura.
Julio César legalizó en Roma una práctica helenista y oriental de impresión de la efigie con el gobernante vivo en las monedas, donde hasta entonces sólo había imágenes de dioses o personajes históricos fallecidos, y Augusto dirigió esta práctica con mayor conciencia y pragmatismo político, imponiendo su presencia visual y el mensaje del gobierno en la vida cotidiana de todos los ciudadanos, y que ilustran cómo el arte y la agenda política podían unir esfuerzos para garantizar un sistema de control social a gran escala.

El primer gran monumento de la escultura imperial fue el Ara Pacis entre el 13 y el 9 a. C., también obra maestra de la arquitectura romana. Dedicado a la diosa Pax, celebraba el éxito del regreso del emperador Augusto tras sus victorias en las campañas de Galia e Hispania. El monumento está decorado con frisos y relieves escultóricos que muestran procesiones, escenas alegóricas de la mitología y sacrificios.

Augusto organizó su país y fomentó las artes, no sin aprovecharse de ellas para promover su imagen personal, como era un uso generalizado entre los poderosos. Sobreviven muchas de las estatuas del emperador en los museos del mundo, mostrándolo con una variedad de atributos, militares, civiles y divinos. Una de los más famosas es Augusto de Prima Porta, que en realidad es una elaboración sobre el Doríforo de Policleto.

Nos vemos en la próxima estación (entrada)